آموزشگاه موسيقي راه صبا

براي طبقه بندي موسيقي لازم بود علمي شكل بگيريد. ارگانولوژي نام ديگر ساز شناسي است. سازها تقسيم‌بندي‌هاي متفاوتي دارند. اما اگر از لحاظ شكل ظاهري بخواهيم آن را بررسي كنيم بايد با جزئيات و نحوه نواختن آن بيشتر آشنا شويم. در ادامه مطلب با انواع آن آشنا شويد.

در ابتدا بهتر است با مفهوم ارگانولوژي آشنا شويم. پس از آن دسته بندي سازها را برايتان توضيح مي‌دهيم. سازها در هر فرهنگي استفاده به خصوصي دارد. برخي از سازها در دسته بندي‌هاي مختلف در كشورها براي برگزاري مراسمات نظامي استفاده مي‌شود، اما از همان سازها در كشور ديگري ممكن است در مراسمات ديگري استفاده شود.

براي آشنايي كامل با مفاهيم اوليه سازها و دنياي موسيقي به دنبال بهترين آموزشگاه موسيقي باشيد و در نهايت نكات بيشتري را با جستجو در فضاي وب به دست آوريد.

ساز شناسي چيست؟

ساز يك ابزار نواختن است. با ساز موسيقي شكل مي‌گيرد و با اضافه شدن آواز به آن، يك قطعه موسيقي زيبا پديد مي‌آيد. اين مفاهيم، جزو مفاهيم پايه‎اي است كه اگر مي‌خواهيد وارد دنياي موسيقي شويد بهتر است با آن‌ها آشنا شويد.

سازها به طور كلي به چند دسته تقسيم مي‌شوند كه عبارتند از:

•         سازهاي زهي
•         سازهاي بادي
•         سازهاي كوبه‌اي يا ضربي
•         سازهاي صفحه كليد دار يا شستي دار
•         سازهاي الكترونيك

سازهاي زهي (آرشه‌اي يا زخمه‌اي)

دسته‌اي از سازها هستند كه با لرزش زه يا سيم، صداي آن به گوش مي‌رسد. در واقع مي‌توان با زخمه زدن بر روي سيم‌ها يا كشيدن آرشه بر روي سيم صداي ساز را شنيد. سازهاي زهي به 2 دسته زهي كمانه‌اي و زهي ضربه‌اي تقسيم مي‌شوند. در سازهاي كمانه‌اي بايد توسط چوب كمانه‌اي بر روي ساز كشيد. ويولن و كمانچه از انواع سازهاي زخمه‌اي كمانه‌اي هستند.

اما در سازهاي زهي ضربه‌اي همانطور كه از نامش پيداست بر روي زه يا سيم، ضربه زده مي‌شود. پيانو، سنتور و چنگ از انواع سازهاي زهي ضربه‌اي هستند.

سازهاي بادي

سازهاي بادي يكي از قديمي‌ترين سازهاست كه انسان‌ها بعد از كشف سازهاي كوبه‌اي به اختراع آن پرداختند. در گذشته‌هاي دور از يك استخوان بزرگ سوراخ شده، ساز بادي ساخته مي‌شد.

سازهاي بادي به 2 دسته ساز بادي چوبي و ساز بادي برنجي تقسيم مي‌شوند. براي تقسيم بندي سازهاي بادي به نحوه توليد صدا در قسمت دهاني آن دقت كنيد. در واقع دسته بندي برنجي يا چوبي بودن آن بر اساس جنس اين قسمت نامگذاري مي‌شود.

براي مثال ساز فلوت، قسمت بدنه آن فلزي است. اما در دسته سازهاي بادي چوبي قرار گرفته و دليل آن هم قسمت دهاني ساز است كه از جنس چوب ساخته مي‌شود.

سازهاي كوبه‌اي يا ضربي

سازهاي ضربي يا كوبه‌اي هم مي‌توان زاز نامش حدس زد كه بايد توسط ضربه‌هايي هماهنگ آن را نواخت. ضربه زدن، ساييدن و … اعمالي است كه باعث توليد صدا در اين سازها مي‌شود. بشر در سال‌هايي ابتدايي كه با موسيقي آشنا شد، از سازهاي ضربي استفاده مي‌كرد. به طوري كه گفته مي‌شود پس از صداي انساني يكي از قديمي‌ترين صداها شناخته مي‌شود.

دف، دايره، تنبك، طبل، سنج، زنبورك، هنگدرام، كوزه، بانگو، كاخن، دهل، تمپو  و … نمونه‌هايي از سازهاي كوبه‌اي هستند.

سازهاي صفحه كليد دار

به اين دسته از سازها، سازهاي شستي دار هم گفته مي‌شود. براي نواختن اين دسته از سازها، از صفحه كليد استفاده مي‌شود. آكاردئون، ارگ، حتي ارگ بادي، پيانو، چلستا و … از انواع سازهاي صفحه كليددار هستند. در اين سازها، هر نت بر روي يك كليد از ساز ساخته شده است.

در صورتي كه به ساز شناسي مسلط باشيد، با انواع سازهاي صفحه كليد دار آشنا مي‌شويد. دايره سازها به قدري متنوع است كه شايد نام چند ساز به گوشتان نخورده باشد.

سازهاي الكترونيك

صداي اين دسته از سازهاي به روش‌هاي الكترونيك قابل شنيدن مي‌شود. اولين بار در سال 1904 سازهاي الكترونيك اختراع شدند.

ارگ برقي، ترمين، سينتي سايزر، كيبورد، گيتار الكتريك، گيتار بيس، سه تار الكتريك از انواع سازهاي الكترونيك است.

هارموني يك لغت در زبان يوناني كه به معني تناسب است. هارموني معناي ارتباط بين اشيا در طبيعت به صورت ديداري يا حسي است. اين لغت در موضوعات مختلف مي‌تواند به كار برده شود. براي مثال احتمالا هارموني رنگ به گوشتان خورده است. در اين هارموني بايد رنگ‌هايي كه در چرخه رنگ با هم تناسب دارند را در كنار هم قرار دهيد. اين موضوع در علم دكوراسيون كاربرد زيادي دارد. اما ما در اين مقاله مي‌خواهيم درباره هارموني در موسيقي صحبت كنيم.

اگر بخواهيم قطعه موسيقي كه سال‌ها براي ساخت آن وقت و انرژي گذاشته‌ايم، براي عده زيادي به محبوبيت برسد بايد اين قطعه شسته رفته و بي‌عيب و نقص باشد.

لازم است براي يادگيري و ساخت يك موسيقي هارمونيك، به دنبال بهترين آموزشگاه موسيقي بگرديد و با گذراندن كلاس‌هاي تئوري براي اين مفهوم آماده شويد. با مشورت اساتيد موسيقي خود مي‌توانيد دوره‌هايي كه در آن به شما موسيقي هارمونيك را آموزش مي‌دهند شركت كنيد و در آينده بتوانيد يك آهنگساز حرفه‌اي شويد؛ كسي كه سبك خاص خودش را دارد.

هارموني چيست و مفهوم آن در موسيقي

اگر بخواهيد مفهوم هارموني در موسيقي را درك كنيم در مرحله اول بايد با تئوري بنيادي در موسيقي آشنا شويم. اين تئوري شامل مشخصه‌هاي صدا در موسيقي، نشانه‌هاي اوليه در موسيقي، گام و توناليته، تاكيد و وزن، قواعد نت نويسي، آكورد شناسي و … است.

در واقع اگر بخواهيد آموزش موسيقي را به صورت حرفه‌اي‌تري شروع كنيد بهتر است قبل از شروع تمرين عملي ساز، با مفاهيم اوليه و تئوري بنيادي موسيقي آشنا شويد. اين موضوع به شما كمك مي‌كند تا در حين تمرين و آموزش عملي موسيقي، آگاه‌تر از ديگران پيش رويد.

هارموني موسيقي لازمه ساخت يك ملودي زيباست. براي ايجاد اين هارموني بايد تناسب ميان بخش‌هاي مختلف قطعه ايجاد باشد. اگر بخواهيم به صورت دقيق‌تر براي هارموني تعريفي بياوريم، هارموني يعني علمي براي وصل كردن اصولي آكوردهاي يك قطعه به همديگر و در زمان مناسب است. زماني كه اين هم‌آهنگي در موسيقي ايجاد شود هارموني بي‌نظيري در قطعه موسيقي شما رخ خواهد داد.

آكورد يكي از مفاهيم اوليه براي آموزش موسيقي است. زماني كه يك يا چند صداي مختلف بر روي ساز را با فواصل مشخص به صدا درآوريد، به آن آكورد مي‌گويند. براي ايجاد هارموني بايد به مفهوم آكورد شناسي مسلط باشيد و بتوانيد بر روي ساز خود از آكوردهاي مختلف با اصول صحيح استفاده كنيد.

آشنايي با موسيقي هارمونيك

هارموني در موسيقي براي كساني كه مي‌خواهند يك آهنگساز حرفه‌اي شوند موضوع مهمي است. ممكن است شما نوازندگي يك ساز را فراگرفته باشيد و براي نواختن آن هم انرژي زيادي گذاشته باشيد و تا حد زيادي هم به صورت حرفه‌اي بتوانيد آن ساز را بنوازيد، اما از اصول و قواعد آهنگسازي با سازتان اطلاعاتي نداشته باشيد. براي همين منظور بايد با مفهوم هارموني موسيقي آشنايي داشته باشيد.

حتي اگر در زمينه آهنگسازي اطلاعات خوبي هم داشته باشيد، اما ندانيد كه براي ساخت يك ملودي بايد چه كاري انجام دهيد تا قطعه نهايي يك آهنگ گوشنواز و شنيدني باشد. در اين ميان آهنگسازاني هم هستند كه با اين مفاهيم آشنايي هم دارند، اما از هارموني قطعه ساخته شده خود رضايت ندارند. به همين دليل بهتر است در كلاس‌هاي آهنگسازي كه به مفهوم و يادگيري هارموني موسيقي مي‌پردازند شركت كنيد.

يك موسيقي هارمونيك داراي ويژگي‌هاي خاصي است. چنين موسيقي‌اي به ذهن شنونده را به سمت هدفي مي‌برد. سازهاي اين موسيقي با استفاده متوالي از آكوردهاي مختلف مي‌تواند معني و مفهوم خاصي را به شنونده برساند. اگر بخواهيم يك مثال واضح براي اين موضوع داشته باشيم، بايد به قافيه در شعر اشاره كنيم. قافيه‌ها نظم زيبايي به يك شعر مي‌بخشند. آكوردها در موسيقي هارمونيك هم به شكل منظم و متوالي ايجاد مي‌شوند. براي ساخت اين موسيقي نياز به يك ذهن خلاق است كه آهنگسازان حرفه‌اي در اين موضوع قدرت قابل توجهي دارند.

درباره ساز هنگ درام بايد بدانيد كه در سال ۲۰۰۰ يك ساز جديد به دستان دو آهنگساز متبحر به نام‌هاي فليكس روهنر و سابينا شارر ساخته شد. البته ايده ساخت آن از سازي فلزي شكل گرفته شد كه در سال ۱۷۰۰ ميلادي ساخته شده بود. ساز هنگدرام شبيه سپرهايي است كه در جنگ‌هاي قديمي براي محافظت از خود به همراه داشتند. شايد هم با ديدن آن به ياد بشقاب پرنده بيفتيد. اين ساز امروزه طرفداران زيادي به خود جذب كرده است.

براي يادگيري هنگ درام لازم است به دنبال بهترين آموزشگاه موسيقي در تهران بگرديد. زيرا اين ساز اساتيد خاص و انگشت شماري دارد كه بتوانند به صورت ماهرانه آن را بنوازند و به شما آموزش دهند.

يكي از معروف‌ترين نوازنده‌هاي هنگ درام، دنيل ويپلسِ نام دارد. اين شخص موسيقي را با ساز گيتار آغاز كرد و با سازهاي ضربي هم آشنايي داشت. دنيل با هنگ درام در سال ۲۰۰۶ آشنا مي‌شود و نواختن آن را به صورت حرفه‌اي مي‌آموزد. از آن‌ها سال‌ها با تلا‌ش‌هاي فراوان توانست قطعه‌هاي زيبايي با اين ساز بسازد و در كنسرت‌هاي زيادي حضور داشته باشد.

صداي اين ساز هارموني بي‌نظيري با صداهاي موجود در طبيعت دارد. اگر در كنار يك جنگل با صداي پرندگان مشغول نواختن اين ساز شويد و اين اثر خود را ضبط كنيد، با گوش دادن آن در دل زندگي شهري متوجه معجزه آن خواهيد شد. بسياري از افراد براي تبليغ وشناساندن اين ساز به مردم، فضاهاي زيبايي مانند آبشار، كوه يا كنار درياچه‌اي بكر را انتخاب مي‌كنند و يك ويديو جذاب از آن درست مي‌كنند.

مشخصات ساز هنگ درام

هنگ درام يكي از سازهاي كوبه‌اي است. به ظاهر ساده آن نگاه كنيد، همين ظاهر ساده مي‌تواند معجزه‌اي از ملودي ايجاد كند. شكل ظاهري آن از دو صفحه به شكل صدف به هم چسبيده است. زادگاه اين ساز كشور سوئيس و شهر برن است.

صداي آن از طريق لرزش و بدون سيم ايجاد مي‌شود. حتي فضايي هم براي دميدن آن ندارد تا بتوانيد از اين طريق ساز را به صدا درآوريد. براي نواختن آن بايد از دستان خود كمك بگيريد و با كشيدن روي ساز و ضربه صداي زيبايي از ساز ايجاد كنيد. ساختار آن به گونه‌اي است كه بايد به آرامي با نوك انگشت بر روي قسمت‌هاي مشخص شده ساز ضربه بزنيد. اگر اين ضربه محكم باشد مي‌تواند كوك ساز را به هم بريزد.

جنس ساخت آن از فلز فولاد است. هنگ درام ۵ نسل تغييرات را در خود ديده تا بتواند به امروز برسد. صفحه بالايي اين ساز به اسم DING يك هسته مركزي دارد. در مركز اين صفحه مخصوص يك نت و در اطراف ساز حدود ۷ الي ۸ نت قرار دارد. هر كدام از اين قسمت‌ها با حفره كم عمقي مشخص شده است. اما صفحه زيرين كه GU ناميده مي‌شود يك صفحه ساده است اما در مركز آن يك حفره وجود دارد.

اين ساز را بيشتر بشناسيد

اگر نوازنده حرفه‌اي اين ساز شويد از انواع هنگ درام براي نواختن مي‌توانيد استفاده كنيد. لازم است بدانيد معروف‌ترين نوع ساز هنگ درام رِمينور نام دارد. صفحه رويي هنگ درام داراي ۷ يا ۸ نت كه يكي از آن‌ها نت اصلي و گام است. صداي نت اصلي بيس بيشتري نسبت به ديگر نت‌ها دارد. اين نت داراي صدايي پرحجم‌تر است و باقي نت‌ها در اطراف آن قرار مي‌گيرند.

يكي از ويژگي‌هاي اين ساز، امكان ساخت به صورت سفارشي است. در برخي از مدل‌هاي سفارشي آن تا ۱۶ نت بر روي ساز ساخته مي‌شود. در اين مدل از هنگ درام‌ها، برخي از نت‌هاي آن بر روي صفحه زيرين قرار مي‌گيرد.

جمع بندي نهايي؛

اگر به آموزش اين ساز علاقمند شده‌ايد و هزينه خريد ساز برايتان سنگين است نوع ديگري از اين ساز وجود دارد كه با قيمت كمتري به فروش مي‌رسد. تانگ درام شباهت زيادي به هنگ درام دارد كه ابعاد آن از هنگ درام كوچكتر و قيمت آن هم كمتر از اين ساز است، قابل ذكر است كه براي يادگيري اين مهم مي توانيد به يكي از بهتري آموزشگاه موسيقي يعني راه صبا مراجعه فرماييد.

اگر علاقمند به يادگيري اين ساز هستيد مي‌توانيد در آموزشگاه راه صبا زير نظر استاد ايوب سعيدي آن را بياموزيد. اگر به دنبال يك آموزشگاه موسيقي در تهران با اساتيد با تجربه هستيد ما به شما اين آموزشگاه را معرفي مي‌كنيم.

قصد داريم در اين نوشته راجع به ساز دوتار با شما صحبت كنيم. يكي ديگر از سازهاي زهي است كه دليل نامگذاري آن دقيقا با ساختار اين ساز يك مفهوم را مي‌رساند. يعني اين ساز داراي دو تار است كه قدمتي كهن در ايران زمين دارد. در ادامه تاريخچه ساز دوتار را براي شما مي‌گوييم.

اين ساز در ايران و كشورهاي آسياي مركزي محبوبيت خاصي دارد. اما زادگاه آن به كشور ايران باز مي‌گردد. نمونه‌هايي از تصاوير اين ساز در به صورت حجاري شده در طول تاريخ ايران مشاهده شده است.

براي نواختن اين ساز از پنجه استفاده مي‌شود و مانند تار و سه تار نمي‌توان از مضراب و ناخن براي نواختن آن استفاده كرد. معمولا براي نواختن آن از دو انگشت شست و انگشت سبابه استفاده مي‌كنند. البته در برخي از ناحيه‌ها از ديگر انگشتان دست نيز براي نواختن بهره مي‌گيرند. نوازنده براي نواختن دو راه دارد. يكي نواختن تارها به طريقي كه نوك انگشتان با صفحه ساز برخورد نكند كه در اين صورت صداي شنيده شده صداي ظريفي است. در نوع ديگري علاوه بر برخورد انگشتان به سيم، به صفحه ساز هم برخورد دارد كه صداي بي‌نظيري از آن شنيده مي‌شود.

دوتار چه نوع سازي است؟

اين باعث افتخار است كه چنين سازي زادگاه ايراني دارد. جلوه ظاهري اين ساز ساده است. يك كاسه گلابي شكل چوبي با دسته‌اي باريك كه پرده‌ها و سيم بر روي آن نصب شده است. اما اگر بخواهند آن را تزيين كنند قسمت دسته آن را با سنگ فيروزه يا استخوان شتر زيباتر مي‌كنند. اين كار بيشتر در استان خراسان انجام مي‌شود. چوب استفاده شده براي ساخت اين ساز، چوب درخت توت، گردو، زردآلو يا عناب است. در قسمت داخلي كاسه آن حفره‌هايي وجود دارد كه تضمين كننده صداي ناب ساز مي‌شود. در صورتي كه اين حفره‌ها در اثر رطوبت تغيير شكل دهند، صداي اوليه و با كيفيت از ساز به گوش نمي‌رسد.

در گذشته‌هاي دور چوب اين ساز را با روش‌هايي به شكل پوك در‌آورند تا صداي بهتري از آن به گوش برسد. يكي از اين روش‌ها قرار دادن چوب ساز درون آهنگ بود.

امروزه دو رشته سيم فلزي بر روي اين ساز نصب مي‌شود، اما در گذشته‌هاي دور از ابريشم براي ساخت سيم‌هاي آن استفاده مي‌شد. همانطور كه گفتيم اين ساز داراي دو تار است. يكي از آن‌ها صداي بم‌تري دارد و ديگري به عنوان صداي زير استفاده مي‌شود.

تاريخچه ساز دوتار

بسياري بر اين باورند كه اين ساز براي اولين در قسمت خراسان شمالي به محبوبيت رسيد. قدمت آن به چند هزار سال پيش باز مي‌گردد. البته اين ساز در نواحي‌هاي ديگري از كشورمان نيز نواخته مي‌شد.

بسياري از موسيقي‌دان‌ها اين ساز را مادر تنبور و سه تار مي‌دانند. اين ساز در گذشته‌هاي دور در خراسان شمالي اهالي روستا را به دور هم جمع مي‌كرد تا براي شنيدن نواي اين ساز به گوش بنشينند.

دوتار در شهرهاي ديگري مانند  نيز ساز محبوبي است. اما در هر نقطه صداي به خصوصي از اين ساز به گوش مي‌رسد. اما اصول ساخت اين ساز در هر منطقه به يك شكل است. به طور كلي دوتار در قسمت شمالي و شرقي ايران طرفداران بيشتري دارد. اين ساز علاوه بر خراسان شمالي در شهرهاي ساري، علي آباد كتول، گلستان و تركمن صحرا هم رواج دارد. دوتار در قسمت‌هاي شمالي و شرقي ايران داراي تفاوت‌هايي هست. يكي از تفاوت‌هاي آشكار در اين دو منطقه تعداد پرده‌هاي دسته ساز است. تعداد پرده‌هاي اين ساز در منطقه خراسان شرقي هشت پرده و در قسمت خراسان شمالي تعداد يازده پرده بر روي دسته ساز مشاهده مي‌شود.

هنر موزيسين سبك‌هاي تلفيقي اين است كه سازهاي موسيقي را محدود نداند. جدا از اين كه هر سازي براي خود يك مبدا ساختي دارد، بتواند آن را با هم به يك هماهنگي زيبا برساند.  شما مي‌توانيد انواع سازهاي سنتي و پاپ را در آموزشگاه راه صبا كه يكي از بهترين آموزشگاه موسيقي در تهران است را بياموزيد.

موسيقي هم مانند هر هنر ديگري سبك‌هاي متنوعي دارد. يكي از حس‌هاي ۵ گانه ما شنيدن كه موهبتي براي گوش دادن موسيقي است. براي اين هنر تنها شنيدن كافي نيست. بايد درك درستي از موسيقي داشته باشيم. سليقه هر فردي شنيدن سبك يا سبك‌هاي خاصي را انتخاب مي‌كند. اگر هر يك از اين سبك‌ها را باهم استفاده كنيم و يك موسيقي تركيبي ايجاد كنيم، در واقع موسيقي تلفيقي ايجاد كرده‌ايم.

آهنگساز در پشت ساخت يك قطعه موسيقي آن هم به روش تلفيقي حتما هدفي در پيش دارد. اگر به اين هدف پي ببريد گوش دادن به نواهاي تلفيقي برايتان جذاب‌تر از گذشته مي‌شود و موسيقي دريچه جديدي به رويتان باز مي‌كند.

 ممكن است دو ساز براي دو كشور متفاوت و دو فرهنگ كاملا متضاد براي يك قطعه موسيقي انتخاب شود. اما براي پديد آوردن يك آثار تلفيقي زيبا بايد به صورت هوشمندانه برخورد كرد و از دل آن تشابه‌هايي را ايجاد كرد.

تعريف موسيقي تلفيقي

اين نوع موسيقي نام ديگري هم دارد؛ موسيقي فيوژن. كلمه فيوژن به معني پيوستگي و تركيب، به سادگي مفهوم اين سبك از موسيقي را مي‌رساند. تاريخچه موسيقي فيوژن به حدود ۵۰ سال پيش بازمي‌گردد. در آن سال‌ها عده‌اي از موزيسين‌ها اين كار را با ساز جاز كردند. بداهه نوازي باعث شد آن‌ها ساز جاز را به طوري بنوازند كه با سبك‌هاي متفاوت مانند بلوز، راك و … هماهنگي داشته باشد. به اين ترتيب توانستند چند سبك را با هم تلفيق كنند و يك سبك جديد خلق كنند.

آن‌ها به اين سبك ابداعي جاز فيوژن مي‌گفتند، چون براي ساز يك قطعه از سازهاي الكتريكي استفاده مي‌كردند و حضور سازهايي مانند پيانو در آن كاربردي نداشت.

بعد از اين كه موسيقي با سبك جاز فيوژن بين شنوندگان و موسيقيدان‌ها محبوب شد، اين روش براي سبك‌هاي ديگر هم مورد استقبال قرار گرفت. از آن پس هر وقت براي يك قطعه موسيقي از دو يا چند سبك موسيقي استفاده مي‌شد به آن موسيقي فيوژن يا تلفيقي گفتند. اين اتفاق يك رويكرد جديد در دنياي موسيقي به حساب مي‌آمد.

موسيقي فيوژن در ايران

به تازگي شاهد وارد شدن اين سبك به موسيقي‌هاي ايراني هستيم. اين موسيقي‌ها اگر به صورت هنرمندانه خلق شوند تبديل به يك شاهكار مي‌شوند. امروزه در گروه‌هاي موسيقي ايراني راجع به اين سبك موسيقي تلاش‌هاي فراواني مي‌شود. گروه دنگ شو يكي از گروه‌هاي موسيقي بود كه اثرات خود را به صورت موسيقي تلفيقي به گوش مردم مي‌رساند. گروه‌هاي ديگري هم اين كار را انجام دادند و بازتاب خوبي از اين ماجرا دريافت كردند.

اگر در سطح حرفه‌اي هستيد و مي‌خواهيد اثري متفاوت خلق كنيد لازم است به تمامي ويژگي سبك‌هاي متنوع موسيقي تسلط داشته باشيد. علاوه بر اين شما بايد قابليت‌هاي سازهاي موسيقي را بدانيد و آن‌قدر توانمند در اين امر باشيد تا بتوانيد چند فرهنگ موسيقي را در هم پيچ و تاب دهيد و يك اثر هنري بي نظير به دست آوريد. اثري كه هر شخصي با شنيدن آن به فرهنگ‌هاي مختلف موسيقي هم علاقمند شود.

با اين روش خيلي از افراد موسيقي سنتي و موسيقي پاپ را با هم به تلفيق در مي‌آورند. ممكن است شنونده علاقه چنداني به موسيقي سنتي نداشته باشد و به همين دليل با اين سبك غريبه باشد. در صورتي اين اثر با سبك تلفيقي به دل شنونده بنشيند، ذهن او را كنجكاو مي‌كند تا بيشتر از اين سبك اطلاعات به دست آورد. به همين واسطه بسياري از افراد با سبك سنتي و فرهنگ كهن ايراني آشنا شدند و دايره سلايق آن‌ها در موسيقي گسترش يافت.

نام جوزپه وردي بر تارك اپرا مي‌درخشد. جوزپه فورتونينو فرانچسكو وردي (Giuseppe Fortunino Francesco Verdi) موسيقي‌دان و آهنگساز ايتاليايي سبك رمانتيك در اوايل قرن نوزدهم (۱۸۱۳-۱۹۰۱) است. بيشتر ساخته‌هاي وردي در زمينه اپرا نوشته شده و در بين مردم جهان محبوبيت دارد. صاحب‌نظران موسيقي اهميت وردي در آهنگسازي اپرا را هم‌تراز بتهوون در سمفوني مي‌دانند. پر بيراه نيست اگر بگوييم هيچ آهنگساز ايتاليايي به اندازه وردي به شهرت و محبوبيت نرسيده است.

در يادگيري موسيقي پشتكار و تمرين بسيار اهميت دارد. حتي اگر بهترين آموزشگاه موسيقي در تهران را هم انتخاب كنيد و در نزد بهترين اساتيد نواختن ساز را ياد بگيريد ولي اگر تمرين كافي نداشته باشيد نتيجه مطلوبي نخواهيد گرفت.

«اوبرتو» اولين اپراي وردي بود كه در سال ۱۸۳۹ در ميلان توليد شد. اين اپرا موفقيت‎‌هاي بسياري را براي وردي به همراه داشت. مرگ همسر وردي هم‌زمان با دومين اپراي او با نام «سلطنت يك روزه» اتفاق افتاد. اجراي اين اپرا با شكست مواجه شد به طوري كه وردي تصميم گرفت آهنگسازي را براي هميشه كنار بگذارد. بعدها با تشويق مرلي رئيس لا اسكالاي ميلان اپراي «نابوكا» را ساخت. اولين اجراي اين اپرا در سال ۱۸۴۲ شهرت فراواني را براي وردي به همراه داشت.

بسياري از صاحب‌نظران عقيده دارند اپراي مكبث وردي مهم‌ترين و اصيل‌ترين اپرايي است كه وردي نوشته است. اين اپرا در سال ۱۸۴۷ براي اولين بار به دور از داستان عاشقانه ساخته شد. اپراي «اورشليم» اولين اثر وردي بود كه در سبك اپراي بزرگ فرانسوي ساخته شد.

اپراي ريگولتو در سال ۱۸۵۱ بر اساس نمايشنامه‌اي از ويكتور هوگو با عنوان سرگرمي‌هاي شاهانه ساخته شد. اين اپرا با وجود صحنه‌هاي دراماتيك و تاثيرگذار به ويژه در صحنه پاياني به عنوان يكي از اپراهاي مشهور وردي شناخته مي‌شود. اپراي ريگولتو به همراه ايل تراواتوره و لا تراوياتا به سه‌گانه‌هاي جوزپه وردي مشهور هستند.

اوج اپراهاي وردي در فاصله سال‌هاي ۱۸۵۵ تا ۱۸۶۷ بود. سه اثر آخر وردي در اپرا برجسته‌ترين آثار او محسوب مي‌شوند. اپراي آيدا با وجود صحنه‌هاي تماشايي با باله‌ها و هم‌سرايي‌ها يك اپراي شكوهمند است. اپراهاي اتلو و فالستاف آثار اخير وردي هستند و نسبت به آثار قبل او پختگي موسيقايي بالاتري دارند. وردي در سن هفتاد و سه سالگي اپراي اتلو را بسيار توانمند و پر احساس آفريده است. فالستاف آخرين اپراي وردي شاهكاري كميك است كه در حرف نهايي‌اش مي‌گويد دنيا سراسر يك شوخي است!

موسيقي وردي

وردي مي‌گويد: «در مقوله نمايش طولاني بودن مترادف كسالت‌بار بودن است و سبك كسل‌كننده از هر سبك ديگري بدتر.» وردي كارهايش را براي عامه مردم كه سرگرمي اصلي آنها اپرا بود مي‌ساخت.

وردي در طول دوره فعاليتش از آهنگسازاني نظير روسيني، بليني، جياكومو ميربر و به ويژه از جاتانو دونيزتي و ساوريو مرسادانته تاثير گرفته است. تنها آثاري كه بدون هيچ تاثيرگذاري از ديگران نوشته شده اپراهاي اتلو و آيدا بوده است.

وردي همواره دنبال موضوعاتي بود كه استعدادش در موسيقي را نشان دهد و عطش او را در اين هنر فرونشاند. او ارتباط تنگاتنگي با سرايندگان آثارش داشت و تاكيد داشت تمام جزئيات حتي به ظاهر بي‌اهميت روايت شود تا غناي نمايشي صحنه حفظ شود.

جوهره اپراهاي وردي ملودي آوازي است. در اپراهاي وردي دوئت‌ها، تريوها و كوارتت‌هاي بسياري وجود دارند كه نشان‌دهنده احساسات اوست. هم‌سرايي‌ها نظير هم‌سرايي كولي‌ها، راهب‌ها، كاهنان مصري و… در اپراهاي وردي نقش بسيار مهمي دارند.

منتقدان آثار وردي عقيده دارند او توجه كمي به مسائل تكنيكي آهنگسازي داشت و در واقع در اين زمينه فاقد توانايي بود. وردي در اين باره مي‌گويد: «در ميان تمام آهنگسازان چه پيش از اين و چه پس از اين، من از همه كمتر آموخته‌ام! با اين حال آموختن موسيقي به معناي دريافت درك و دانش موسيقي نيست».

جوزپه وردي در سال ۱۹۰۱ دچار سكته قلبي شد و از دنيا رفت. در مراسم خاكسپاري اين آهنگساز برجسته در ميلان بزرگ‌ترين اجراي عمومي در تاريخ هنر ايتاليا با تركيبي از چند اركستر و كر شامل ۸۲۰ خواننده و نوازنده به رهبري آرتورو توسكانيني برگزار شد.

سبك موسيقي رمانتيك از اواخر قرن هجدهم ميلادي در موسيقي كلاسيك غربي ايجاد شد. اين موسيقي ارتباط تنگاتنگي با نهضت رمانتيك دارد. هنر اين دوره به روحيات شخصي هنرمندان بستگي داشته است و برخلاف آثار دوره كلاسيك كه در آنها منطق و عقل نسبت به احساسات اولويت دارد، آثار موسيقي دوره رمانتيك سرشار از عواطف و احساسات انساني است.

اگر به سازهاي كلاسيك علاقه‌مند هستيد و يادگيري آن را در برنامه‌هاي شخصي خود قرار داده‌ايد درباره استاد و آموزشگاه موسيقي تحقيق كنيد. آموزشگاه موسيقي در تهران زياد است مهم اين است آموزشگاهي را انتخاب كنيد كه عملكرد خوبي در آموزش موسيقي داشته باشد و هنرجويان بيشتري از آن رضايت داشته باشند.

توجه به فرم موسيقي :

توجه به فرم موسيقي بيشتر در آثار دوره كلاسيك ديده مي‌شود در حالي كه در آثار موسيقي دوره رمانتيك بيان احساسات و حالت‌هاي دروني از اهميت برخوردار است و به زيبايي‌هاي فني كمتر پرداخته شده است. در واقع در دوره رمانتيك بسياري از قواعد خشك موسيقي كلاسيك شكسته شد.

روشني و وضوح از جنبه‌هاي مهم آثار موسيقي كلاسيك بود كه در موسيقي رمانتيك جاي خود را به نوعي ابهام و بيان سمبوليك داد. تجارب بتهوون منبع عظيم الهام براي شكل‌گيري آثار موسيقي رمانتيك به شمار مي‌آيد.

اصطلاح موسيقي برنامه‌اي كه در سبك موسيقي رمانتيك مورد استفاده قرار گرفته به نوعي از موسيقي ‌سازي اشاره دارد كه داراي موضوعاتي شاعرانه، توصيفي يا حتي داستاني باشد. آهنگسازان اين دوره نظير مندلسون، شومان، برليوز، ليست، دبوسي و ريچارد اشتراوس نهايت كوشش خود را در نوشتن موسيقي برنامه‌اي به كار بردند. در اين دوره كمابيش هر آهنگسازي داراي موسيقي برنامه‌اي بوده است.

يك قطعه موسيقي برنامه‌اي  احساس‌ها، شخصيت‌ها و رخدادهاي يك داستان مشخص را عينيت مي‎بخشد و صداهاي طبيعت را تداعي مي‌كند. براي مثال در رومئو و ژوليت اثر چايكوفسكي كه با الهام از اثر شكسپير نوشته شده است در بخشي كه به خصومت خانواده‌هاي رقيب پرداخته شاهد موسيقي پراضطرابي هستيم. عشق دوران جواني را با ريتمي نرم و لطيف و سرنوشت مصيبت‌بار دلدادگان را با مارش عزا تجسم مي‌كنيم.

موسيقي برنامه‌اي در اشكال مختلف از زمان‌هاي قديم وجود داشته است اما در دوره رمانتيك كه موسيقي ارتباط تنگاتنگي با ادبيات پيدا كرد بيش از پيش جلوه كرد. سرودن شعر موسيقيايي و نواختن موسيقي شاعرانه در دوره رمانتيك مورد درخواست هنرمندان حوزه ادبيات و موسيقي بود.

شوپن نماد موسيقي‌دانان عصر رمانتيك است. فرانتس شوبرت، روبرت شومان، چايكوفسكي و يوهان برامس نيز از ديگر بزرگان موسيقي اين دوره هستند.

اكثر آهنگسازان اين دوره با ادبيات و علوم ديگر آشنايي كافي داشتند و موسيقي و شعر از هم تاثير فراواني مي‌گرفتند. در قرن نوزدهم موسيقيِ سازي يعني موسيقي كه تنها براي ساز نوشته شده بود بدون كلام و شعر مي‌توانست ارتباط احساسي خوبي با مخاطبان برقرار كند. موسيقي سازي در دوره رمانتيك به اوج خود رسيد.

رابطه ميان موسيقي و شعر از مهم‌ترين دوگانگي‌هايي است كه در موسيقي دوره رمانتيك وجود دارد. قطعات آوازي با نام ليد يكي از فرم‌هاي رايج موسيقي قرن نوزدهم است كه آهنگسازاني مانند شوبرت، شومان، برامس و هوگو ولف در آنها ارتباط و همبستگي ويژه‌اي بين موسيقي و شعر به وجود آوردند. حتي در موسيقي سازي آهنگسازان برجسته دوره رمانتيك كه فاقد كلام است روح تغزلي حس مي‌شود. در مجموع تمايلات ادبي و ديگر هنرها بسيار بر موسيقي دوره رمانتيك تاثيرگذار بوده است.

از ديگر ويژگي‌هاي اين دوره بهره از هارموني رنگارنگ بود. هارموني كروماتيك كه آكوردهاي آن داراي صداهايي جز صداهاي معمول در هر گام رايج ماژور با مينور هستند در دوره رمانتيك بيشتر به كار گرفته شد. آكوردهاي كروماتيك به آثار موسيقي رمانتيك رنگ و حركت بخشيدند.

آهنگسازان دوره رمانتيك در چهار گروه تقسيم‌بندي و معرفي مي‌شوند:

شوبرت، كارل ماريا فون وبر، هوفمان و… در دوره پيشارمانتيك از سال ۱۸۱۰ تا ۱۸۳۰٫ شومان، برليوز، شوپن، مندلسون و… در دوره رمانتيك از سال ۱۸۳۰ تا سال ۱۸۵۵٫ برامس، واگنر، بروكنر، جوزپه وردي و… در عظمت رمانتيك از سال ۱۸۵۵ تا ۱۸۹۰ و مالر، ريشارد اشتراوس، كلود دبوسي و… نسل تريستان از سال ۱۸۹۰ تا سال ۱۹۱۰٫

در دوره رمانتيك آهنگسازاني نظير نيكولو پاگانيني و پابلو دو ساراساته نيز حضور داشتند كه بيشتر به عنوان نوازندگان بزرگ ويولن شناخته مي‌شوند.